La vie d'artiste

Un moment avec Monika Pate

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Le septième d'une série quotidienne exclusive d'artistes:

Maîtres de l'aquarelle américaine

Monika, je comprends que tu es originaire de Varsovie. Avez-vous fait vos études en Pologne?

Oui, je suis né et j'ai grandi à Varsovie, en Pologne et je suis diplômé de l'Université de Varsovie où j'ai étudié la biologie, puis obtenu un Master en physiologie animale.

Quand avez-vous commencé à vous intéresser sérieusement au dessin et à la peinture?

Ma seule éducation artistique antérieure comprenait des cours d'art de base que j'ai suivis au primaire et au secondaire. Au collège, nous devions faire des dessins / croquis détaillés et précis des tissus et des cellules que nous avons vus sous nos microscopes. J'ai toujours aimé dessiner mais c'était juste pour le plaisir. J'ai commencé à peindre en arrivant aux États-Unis. C'est en fait mon mari qui m'a encouragé à prendre des cours d'art après avoir vu certains de mes dessins. Je me suis inscrit à un cours dans notre centre d'art local et je me souviens avoir pensé que le dessin sonne bien mais il n'y a aucun moyen de peindre. Pour mon premier cours, je me suis présenté avec une grande quantité de fusain et de crayons et à ma grande surprise tout le monde dans ce cours peignait des aquarelles! J'ai passé mon premier cours de dessin mais j'étais très intrigué et j'ai décidé d'essayer l'aquarelle.

Vous avez dit qu'avec l'aquarelle, c'était "l'amour au premier coup de pinceau". Veuillez nous en dire plus!

Oui, j'étais définitivement accro dès la première fois que je l'ai essayé. J'ai vraiment adoré la transparence, la luminosité et la spontanéité de l'aquarelle. J'ai peint 10 heures par jour, essayant chaque jour de comprendre comment travailler avec ce médium. C'était parfois frustrant mais aussi très enrichissant. J'avais l'impression qu'il n'y avait pas de retour possible une fois que j'avais eu le «goût» de l'aquarelle. Je peins à l'aquarelle depuis plus de 22 ans et j'adore ça. Je ne peux même pas imaginer ne pas peindre, il n'y a tout simplement pas d'autre médium comme ça. Mon style et ma technique ont changé au fil des ans et continuent de changer et d'évoluer. Je continue d'apprendre. J'ai également participé à une variété d'ateliers, afin de pouvoir apprendre et expérimenter autant de techniques et d'approches que possible - du très lâche au abstrait, au collage et au réaliste. J'aime apprendre de nouvelles choses et comme chaque peinture est différente, je suis à chaque fois confrontée à de nouveaux défis. J'aime aussi la polyvalence de l'aquarelle - il y a tellement de styles et de techniques et tant de projets passionnants à essayer!

Quels sont les aquarellistes qui vous ont le plus inspiré?

Il y en a pas mal. Tout d'abord, alors que je faisais mes premiers pas dans l'aquarelle, j'ai voulu explorer le plus possible le médium et j'ai commencé à collectionner des livres et des magazines. Les tout premiers livres que j'ai achetés étaient «John Pike Paints Watercolors» de John Pike, «How to Make a Painting» d'Irving Shapiro et «Painting Watercolour Florals That Glow» de Jan Kunz, qui étaient tous très inspirants, instructifs et utiles.

J'admire vraiment Andrew Wyeth, Anders Zorn, John Singer Sargent et tout près de mon cœur - l'aquarelliste polonais Julian Fałat. L'histoire de Fałat est assez intéressante: il était très pauvre et avait beaucoup de mal à obtenir une éducation artistique. Comme il ne pouvait pas se permettre les peintures à l'huile, il a dû travailler avec des aquarelles. Plus tard, quand il est devenu un artiste bien connu et reconnu qui pouvait enfin se permettre des huiles, il n'a jamais abandonné l'aquarelle. Je pense que je sais pourquoi!

Je visite fréquemment des musées et des expositions d'art, et je suis toujours inspiré par l'art exposé, quel que soit le médium. Récemment, j’ai eu la chance de visiter le Musée du Vatican, le Louvre, le Musée d’Orsay et bien sûr, je visite toujours des musées d’art en Pologne lors de mes voyages là-bas.

Vous avez dit: "Le thème commun à toutes mes peintures est la lumière." Pouvez-vous nous en dire plus à ce sujet?

J'aime vraiment peindre une variété de sujets, et dans tous les cas, je veux capturer l'illusion de la lumière. J'aime le fait qu'une forte source de lumière (en particulier la lumière du soleil) illumine les formes et les textures, les rend plus prononcées, les couleurs deviennent plus vives et rendent les objets tridimensionnels. La lumière créera de beaux reflets, des ombres, des contrastes et des motifs et établira l'ambiance de la peinture. Il peut également indiquer l'heure de la journée ou la saison de l'année. Mon objectif est de créer des peintures dramatiques. Sans contraste de lumière et d'ombre, je ne serais pas en mesure d'accomplir cela.

Je comprends que vous travaillez à partir de photos. Comment utilisez-vous les photos à leur meilleur avantage?

Oui, la plupart du temps, je travaille à partir de photos. Cependant, de temps en temps, je fais de petites études sur la vie. Mes peintures sont longues à réaliser et travailler à partir de photos est tout simplement plus pratique, surtout lorsque je voyage. Je travaille toujours à partir de mes propres photos de référence et j'en prends beaucoup. J'aime aussi beaucoup la photographie, surtout les gros plans. J'ai toujours mon appareil photo avec moi et je surveille mon environnement au cas où je repérerais quelque chose d'intéressant!

Très souvent, j'utilise plusieurs photographies de référence pour créer une peinture car je prends toujours beaucoup de photos de mon «objet d'intérêt» sous différents angles pour m'aider à mieux le comprendre. Je me rends compte qu'un objectif d'appareil photo peut créer des distorsions; cependant, cela peut être corrigé et les photos peuvent toujours offrir un excellent matériel de référence. Mon objectif n'est pas de copier la photo, mais de créer ma propre vision du sujet. Quand je peins, je fais constamment des changements: je déplace des objets, je les rend plus importants et je simplifie ou en élimine d'autres.

Qu'est-ce qui vous attire le plus lorsque vous recherchez un sujet potentiel?

Cela dépend du sujet. Par exemple, dans certaines de mes peintures de nature morte, j'ai utilisé des objets qui ont une signification particulière pour moi. L’inspiration de ma peinture intitulée «Souvenirs» était le vieil appareil photo de mon mari, auquel j’ai ajouté certaines de mes anciennes photos de famille. Dans d'autres cas, j'ai incorporé du cristal et d'autres objets que j'ai apportés de Pologne. Parfois, le sujet se retrouve: je remarquerai une belle plante et la lumière du soleil qui traverse les feuilles ou les pétales, les poignées de porte rouillées dans un marché d'antiquités, les racines d'un arbre tombé, une moto brillante et bien d'autres. Quand j'ai commencé à peindre, j'ai réalisé que j'étais devenu plus conscient de mon environnement, et j'ai commencé à remarquer et à apprécier des choses qui sont parfois ignorées. La peinture a vraiment changé ma vie quotidienne en dehors du studio d'art.

Votre travail est connu pour ses couleurs intenses et son contraste net. Faites-vous des études de valeur préliminaires et des ébauches de couleurs?

J'avais l'habitude de faire des études de valeur, mais maintenant je préfère ajuster les valeurs et le contraste pendant que je peins. Cette approche me donne plus de liberté, et bien que je fasse beaucoup de planification avant de commencer la peinture, je préfère ne pas être limité dans ce cas. Au départ, j'ai toujours une idée de la façon dont je veux aborder la peinture, des couleurs que je vais utiliser, sur quoi je vais me concentrer, etc., mais cela change fréquemment lorsque je commence à travailler. Je dirais que la peinture dictera toujours la prochaine étape. Je n'utilise aucune «recette» et j'aime vraiment explorer et expérimenter.

Lorsque vous démarrez une image, commencez-vous par un dessin au crayon détaillé?

Oui, je le fais toujours. Tout commence par une idée, puis par la composition, les valeurs, les couleurs et l'ensemble du processus. Je passe beaucoup de temps à planifier avant de faire le dessin, en particulier lorsque je travaille à partir de plusieurs photos de référence à la fois. Mes dessins sont au départ très détaillés mais dès que je peins les premiers lavages, j'efface (doucement) les traits de crayon. Les premiers lavages créent une «carte» qui fournit suffisamment d'informations pour commencer à ajouter plus de glaçures et développer plus de détails.

Comment obtenez-vous la couleur riche et intense de vos peintures?

Beaucoup de glaçures! Je développe progressivement des couleurs et des valeurs, en appliquant plusieurs couches de peinture. Parfois, je travaille du clair au foncé et parfois je commence par des valeurs plus sombres et des couches plus claires par-dessus. Tout cela est possible grâce à la nature transparente de l'aquarelle. Je mélange toujours les couleurs mais les superposer crée plus de profondeur. Pour ce processus, il est vraiment utile de connaître les propriétés des pigments: tachant, non tachant, opaque, etc.

Quel papier préférez-vous généralement - marque, presse à froid, presse à chaud, etc.?

J'utilise d’Arches 300 lb à froid ou brut, selon le sujet. Par exemple, si je vais peindre de vieilles machines rouillées, j'atteindrai toujours la surface rugueuse. Cela m'aidera à créer la texture riche et tridimensionnelle. De plus, l'utilisation du papier de 300 lb me permet d'appliquer de nombreuses couches de peinture sans avoir de problèmes de levage. Le papier D’Arches est mon préféré depuis 20 ans.

Préparez-vous votre papier de quelque manière que ce soit, en le mouillant, en l'étirant, etc.?

Je n’étire pas le papier de 300 lb. J'agrafe la feuille à un gatorboard, puis je la colle sur les bords et c'est prêt à partir.

Avez-vous des couleurs sur lesquelles vous comptez et d'autres que vous essayez d'éviter?

J'ai mes «couleurs de base» préférées sur ma palette, comme le bleu de cobalt, le cramoisi d'alizarine, la terre de Sienne brûlée, l'ombre brûlée, l'or de quinacridone, l'orange brûlé de quinacridone, le bleu Winsor, le nouveau gamboge, le bleu outremer, le rouge cadmium et quelques autres. Mais comme j'aime expérimenter, j'atteindrai souvent dans mon tiroir plein de couleurs intéressantes (par exemple Jadeite Genuine ou Scarlet Pyrrol) et j'en incorporerai également un ou deux. Cela dépend bien sûr du sujet. J'évite toujours les couleurs qui ne résistent pas à la lumière. Je vérifie quels pigments sont utilisés par le fabricant. Il est également important de garder à l'esprit que le nom de la couleur ne garantit pas que la couleur sera exactement la même pour tous les fabricants. Les fabricants ont leurs propres formules, il est donc très important de vérifier quels pigments ont été utilisés.

Avez-vous déjà utilisé du noir ou du blanc opaque?

J'utilise très rarement de la peinture noire du tube. Si je le fais, je le mélange généralement avec d'autres couleurs. Je préfère superposer et mélanger mes propres variations de noir. Je peux les rendre plus chauds, plus frais ou plus ou moins opaques. En règle générale, je n'utilise pas de blanc opaque, je préfère conserver les zones blanches du papier aquarelle. Si je dois absolument l'utiliser, ce sera généralement sur de très petites surfaces. De plus, j'entre occasionnellement mes peintures dans la Transparent Watercolour Society of America et Watercolour West, et l'utilisation de blanc opaque dans ces cas n'est pas autorisée. Ces organisations particulières n'acceptent que des aquarelles peintes de manière transparente.

Quel est le meilleur conseil que vous puissiez offrir à un aquarelliste en herbe?

Je pense qu'il est important d'apprendre de bonnes compétences de base et de construire une bonne base. Commencez par des choses simples, comme faire des nuanciers, apprendre les techniques d'aquarelle de base, apprendre à mélanger les couleurs, etc. L'aquarelle devra devenir votre "meilleur ami" et vous devrez passer beaucoup de temps avec elle et apprendre à la connaître . Les cours et ateliers sont une excellente occasion d'interagir avec d'autres artistes, d'apprendre et de s'inspirer. Cependant, gardez à l'esprit que les cours et les ateliers ne dureront qu'un temps limité et que vous devrez toujours peindre et pratiquer beaucoup par vous-même. Apprenez autant que possible, mais n'essayez pas de vous comparer à d'autres artistes ou de peindre comme eux. Trouvez quelque chose qui vous convient et tirez parti de cela. Ne vous découragez pas et continuez à apprendre - c'est un voyage qui durera toute une vie et qui sera très enrichissant.

Monika Pate est né et a grandi à Varsovie, en Pologne et est titulaire d’une maîtrise de l’Université de Varsovie. Elle travaille à l'aquarelle transparente et est une artiste primée dans des expositions nationales et internationales à travers les États-Unis. Monika est membre emblématique de l'American Watercolour Society, de la National Watercolour Society, de la Transparent Watercolour Society of America, de la Watercolour Art Society - Houston (membre Elite), de la Texas Watercolour Society (Purple Sage Status), de la Louisiana Watercolour Society, du Missouri Watercolour Society et de l'Iowa Watercolour. Société. Elle est également membre du jury de l'International Guild of Realism. Le travail de Monika a été présenté dans de nombreux magazines et livres et fait partie de collections privées et d’entreprises aux États-Unis, en Pologne et en Allemagne.


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Commentaires:

  1. Goltikasa

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  2. Wait

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