Histoire de l'art

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Gustave Courbet: le rebelle du mouvement romantique

Apprendre les détails de la vie d’un artiste - le drame, les luttes, le banal - peut donner vie à son histoire et à ses contributions à l’art. La vie de Gustave Courbet correspond à ce projet de loi.

J'ai adoré découvrir tous les détails de la façon dont il a été annoncé comme un rebelle du mouvement romantique. Et, il est maintenant considéré comme l'un des premiers à propulser le réalisme dans le monde moderne. Imagine seulement! Imprégnez-vous de l'histoire - c'est assez épique.

La grandeur est née

Né en 1819, Gustave Courbet est sorti du paisible village rural d'Ornans, en Franche-Comté, pour devenir l'un des artistes les plus célèbres et les personnages les plus provocateurs de la France du XIXe siècle. À une époque dominée par le romantisme et le néoclassicisme encore omniprésent, il a saisi un nouveau sens du réel dans la peinture. Et ainsi, il est souvent crédité d'avoir inventé le terme «réaliste».

Gustave Courbet a travaillé à une époque de grands changements sociaux et politiques. Ses peintures reflètent la montée en puissance des masses, l'ascendance d'une vision scientifique et utilitaire, et l'influence d'une pléthore de mouvements artistiques et intellectuels qui ont balayé Paris au milieu du XIXe siècle et ont tout couvert, de l'anarchisme au symbolisme.

Mais plus que toute autre chose, Courbet était simplement un peintre dont les surfaces tactiles épaisses, aidées par une technique agressive au couteau à palette, ont donné à ses tableaux une présence physique très innovante, théâtralement affirmée et complètement unique. Son approche directe et parfois presque naïve de la peinture lui a permis de montrer des gens ordinaires et des événements ordinaires à une échelle autrefois réservée aux visions des dieux et des rois.

L'artiste a salué l'arrivée de la photographie, qu'il n'a pas tardé à utiliser comme référence pour son propre travail. Et, sa carrière s'est étendue au-delà du réalisme au point où il a commencé à jouer avec de nouvelles idées qui deviendraient l'impressionnisme.

Aucun mentor à nommer… Vraiment?

"Pour dire la vérité, je dois déclarer que je n’ai jamais eu de professeur", a écrit Courbet à un directeur de journal en 1851. Comme beaucoup de récits personnels de l’artiste, ce n’était pas tout à fait vrai. En fait, la formation d’artiste de Courbet a commencé tôt dans la vie et s’est prolongée pendant quelques années.

Son père, un petit propriétaire terrien, a pris soin de faire éduquer son fils et espérait qu'il entrerait dans une profession solide comme la loi. Dans son adolescence, cependant, Courbet devient l'élève du peintre Charles Antoine Flajoulot alors qu'il fréquente l'Académie royale de Besançon.

Flajoulot prétend avoir été l'élève de Jacques-Louis David. Son admiration pour le dessin classique a certainement été transmise à son jeune étudiant.

En 1839, Courbet se retrouve à Paris. Plutôt que d'entreprendre des études de droit, il se mit à travailler dans l'atelier de M. Steuben, peintre mineur qui accueillit plusieurs étudiants.

Courbet a également commencé une longue pratique de copie de chefs-d'œuvre au Louvre. Il a souvent peint au-dessus des études précédentes pendant qu'il se frayait un chemin à travers les maîtres néerlandais, flamands et italiens, ainsi que des œuvres plus contemporaines d'Ingres et Delacroix.

Style de salon

Courbet a passé sept ans en tant qu'apprenti avant d'obtenir toute sorte de reconnaissance. À l'époque, le seul chemin vers une carrière réussie dans l'art était le Salon officiel.

Tenu depuis la fin du XVIIe siècle, le Salon était une exposition annuelle, parrainée par le gouvernement. Les travaux ont été examinés par un jury et suspendus du sol au plafond dans d'immenses halls d'exposition pour être vus par un public payant.

Des gazettes ont été publiées dans lesquelles les critiques de l'époque ont exprimé leurs opinions sur l'œuvre. En général, l'art a reçu un niveau d'examen et de discussion passionné que la plupart des artistes visuels envieraient aujourd'hui.

C'était une société dans laquelle l'art comptait. De plus, la production de peintres était considérée comme une partie importante du discours politique et intellectuel de l'époque.

Le gouvernement français a acheté chaque année un certain nombre de tableaux du Salon à des prix assez élevés, pour les accrocher dans divers bâtiments publics. Tout collectionneur d'art sérieux porterait certainement une attention particulière aux œuvres proposées.

3 sur 24

Courbet a commencé à envoyer des peintures au Salon presque dès son arrivée à Paris. En effet, entre 1840 et 1847, il présente 24 tableaux, dont seulement trois sont acceptés.

Les raisons du manque de succès de l’artiste au cours de ces années sont assez évidentes. Ses compétences de dessinateur étaient modestes et sa main était un peu lourde. De plus, Courbet n’avait pas encore trouvé d’artiste et son travail vacillait entre des expériences de style romantique et une observation plus directe, notamment dans son portrait.

L'homme désespéré

L'une de ses réalisations les plus spectaculaires de ces années a été L'homme désespéré de 1844. Ici, il se montre comme un fou, griffant ses cheveux, les yeux écarquillés d'intensité.

Ce que l'œuvre manque de finesse - en particulier dans les détails maladroits du rendu dans les mains et le tissu - elle compense le drame théâtral provoqué par des contours puissamment dessinés et un clair-obscur lourd.

Le blessé

Deux ans plus tard Le blessé trouve l'artiste jouant avec un look romantique. Il s'imagine languir d'une blessure subie en duel.

Ici, la lourdeur du rendu et la monumentalité résultante de la forme semblent en désaccord avec le sujet. C'est un sujet qui appelle la touche délicate d'un Fragonard ou la brosse fluide de Delacroix plutôt que la main pesante et les formes bosselées du jeune Courbet.

Entre-temps, l'artiste s'était immergé dans la nouvelle culture émergente des bohèmes. «Dans notre société surcivilisée», écrit-il à son ami Francis Wey, «je dois mener la vie d'un sauvage - je dois me libérer même des gouvernements. Les gens ordinaires ont ma sympathie - je dois leur parler directement, m'inspirer d'eux, trouver leur gagne-pain. Pour cette raison, je viens de me lancer dans la vie errante et indépendante d'un bohème. »

Tout au long de sa carrière, Courbet insiste sur son indépendance d'artiste et d'homme. Sa vie privée a impliqué une longue série de liaisons romantiques. Mais il considérait le mariage comme une institution bourgeoise et refusait d'avoir quoi que ce soit à voir avec cela.

Grande sortie

Le succès a commencé pour Courbet quand il expose pas moins de 10 peintures au Salon de 1848 et reçoit un avis enthousiaste de Champfleury, un critique nouvellement influent. Champfleury était un champion d'un nouveau réalisme dans l'art français déjà évident dans les romans de Georges Sand. Bientôt, il poussa Courbet dans cette direction.

L'année suivante, l'artiste réalise une percée professionnelle au Salon lorsque sa peinture Après le dîner à Ornans a été admiré par Delacroix et acheté par l'État. L'image était un énorme rendu d'une simple soirée à la campagne. Dans le tableau, Courbet et sa famille se détendent après le dîner tandis que l'un d'eux joue un air de violon.

La peinture est évidemment influencée par des peintres hollandais, tels que Rembrandt, Hals, David Teniers et d'autres avec lesquels Courbet s'était familiarisé quand il a fait un voyage en Hollande en 1846. En écrivant à un conservateur en 1850, il a dit: «Toutes mes affinités sont avec les peuples du Nord. J'ai voyagé deux fois en Belgique et une fois aux Pays-Bas pour mon instruction et j'espère y retourner. »

Une nouvelle approche

Le génie de Courbet était d'utiliser une approche hollandaise du XVIIe siècle pour peindre la vie quotidienne et de la transférer à grande échelle dans la France rurale du XIXe siècle. C'était quelque chose de radicalement nouveau pour le public français. Ils préféraient généralement que les représentations de la vie à la campagne soient enveloppées dans une romance agréablement distante.

De retour au domicile familial pour l'hiver de 1849 à 1850, Courbet poursuivit cette approche avec vengeance. Pendant ce temps, il a produit son célèbre tableau Un enterrement à Ornans. Travaillant à grande échelle, il a peint un grand groupe de personnages tels qu'ils étaient apparus l'année précédente lors de l'enterrement de son grand-père.

«Nous devons faire glisser l'art de son piédestal», écrit-il à un ami cet hiver, «depuis trop longtemps, vous faites de l'art pommé et« de bon goût ». Pendant trop longtemps, les peintres, même mes contemporains, ont basé leur l'art sur les idées et les stéréotypes.

Radical Will Out

Exposé au Salon de 1850 à 1851, Un enterrement à Ornans causé une énorme agitation. Elle était monumentale de grande taille et montrait en toute franchise la société rurale que tant de Parisiens étaient impatients d'ignorer.

Le tableau a été condamné comme laid, et beaucoup l'ont considéré comme politiquement radical. La France, et en fait une grande partie de l'Europe, avaient été balayées par les révolutions et les troubles sociaux en 1848, qui faisaient tous partie de la dynamique de l'industrialisation, avec son transfert de pouvoir et de richesse avec la montée d'une société urbaine.

Courbet lui-même n'a jamais considéré ses photos comme particulièrement politiques. Il semble plutôt s'être retrouvé dans la peinture alors qu'il tentait de représenter assez simplement la vie qu'il connaissait le mieux.

Trouve sa voie

Dans son Jeunes filles du village de l'année suivante, il devient évident que sa main un peu lourde était alors parfaitement adaptée à sa tâche. Quelque chose dans la grossièreté de la manipulation et l'épaisseur de la peinture donne à l'image un sentiment de franchise et d'autorité. En outre, cela donne à la scène une aura d'honnêteté qui serait difficile à projeter avec une approche plus habile et polie.

Et si l’échelle des vaches en arrière-plan est en contradiction avec celle des arbres, alors elle ne fait que garantir davantage la confrontation directe et difficile de l’artiste avec la nature. Nous sommes convaincus qu'il ne cherche qu'à nous montrer, d'une manière dépourvue d'artifice, un simple moment champêtre. Un moment pour lequel ses sœurs accordent un cadeau en argent à une jeune cow-girl dans les champs près de sa ville natale.

En 1854, Courbet expose encore un autre chef-d'œuvre, La Réunion, ou «Bonjour, Monsieur Courbet». La photo montre l'artiste rencontrant son patron Alfred Bruyas sur la route près de Montpellier en mai 1854. Mais la peinture est bien plus qu'un simple enregistrement d'un événement.

Bruyas était un riche banquier et collectionneur d'art qui est devenu un grand partisan de Courbet. Dans le tableau cependant, c'est le banquier qui enlève son chapeau à l'artiste tandis que son serviteur s'incline humblement.

Courbet lui-même semble avoir marché en tenant son chapeau à ses côtés et en portant son chevalet de voyage et sa boîte de peinture sur son dos. Il avance avec confiance et autorité.

Encore une fois, le traitement puissant de Courbet et son sens aigu des contours graphiques ont été déployés avec grand effet. La peinture dégage un sentiment d'ouverture directe qui est distinctement moderne.

Finie toute l'élégance mesurée du néoclassicisme et disparu aussi l'un des signes extérieurs du romantisme. L'artiste nous invite à regarder de face, en plein jour, un monde où l'ordre social est renversé.

L'un des chefs-d'œuvre

Courbet a continué à faire un certain nombre de grandes images de la vie rurale dans le même sens, bien qu'aucun d'entre eux n'ait jamais atteint le même pouvoir que Un enterrement à Ornans. En 1855, cependant, il a produit ce qui est considéré à juste titre comme l'un des grands chefs-d'œuvre de l'art du XIXe siècle, Le studio du peintre: une véritable allégorie résumant sept ans de ma vie artistique.

Le tableau est un grand tableau dans lequel l'artiste se montre à l'œuvre sur un paysage au centre du tableau regardé par un mannequin nu et un jeune garçon. Il est flanqué d'un côté de partisans et de figures de son monde artistique, dont son ami Baudelaire et le poète Max Buchon.

De l'autre côté, est un monde plus sombre que Courbet a décrit comme «l'autre monde de la vie triviale, les gens, la misère, la pauvreté, la richesse, les exploités et les exploiteurs, ceux qui vivent de la mort». Courbet avait l'intention de suspendre le tableau à l'Exposition internationale de 1855. Il fut très déçu lorsque le jury le rejeta.

Cependant, il a montré le travail dans une structure temporaire qu'il avait construite à proximité. Il a monté l'une des premières expositions personnelles parrainées par le privé dans l'histoire de la France.

L'événement a été annoncé par une pancarte annonçant: «RÉALISME. G. Courbet: exposition et vente de 40 tableaux et 4 dessins de M. Gustave Courbet. » Une brochure accompagne l'exposition dans laquelle Courbet expose ses principes artistiques:

«Le titre Réaliste m'a été imposé de la même manière que le titre Romantique a été imposé aux hommes de 1830.… Je voulais simplement faire naître, à partir d'une parfaite connaissance de la tradition, la conscience raisonnée et indépendante de ma propre individualité. Savoir pour pouvoir créer, telle était mon idée… créer un art vivant - c'est mon objectif. »

Parmi les visiteurs de l'exposition se trouvait Delacroix, qui écrivait dans son journal: «J'y reste seul pendant près d'une heure et découvre que la photo de la sienne qu'ils ont refusée [Le studio du peintre] est un chef-d'œuvre; Je ne pouvais tout simplement pas m'arracher à la vue. »

Les arts érotiques

Un certain nombre de tableaux de Courbet dans les années suivantes sont nettement érotiques - ou du moins suggestifs. Ils se concentrent souvent sur les relations sexuelles ou romantiques. Il a peint une image des organes génitaux féminins pour un collectionneur turc et ses diverses peintures de paires de femmes ont abouti à Les dormeurs, une photo monumentale de deux femmes nues enlacées dans le lit.

L'une des peintures les plus calmes sur ce thème estJeunes filles sur les bords de Seine, de 1856–1857. Pour l'œil moderne, cette œuvre est simplement une idylle magnifiquement peinte montrant deux jeunes femmes se détendant. Au moment de son exposition, cependant, il a fait beaucoup de bruit.

Les Parisiens avaient commencé à profiter des sorties tranquilles le long de la Seine le week-end. Courbet a été l'un des premiers peintres à aborder ce sujet, qui deviendra plus tard l'un des favoris des impressionnistes.

L'audience de son temps, cependant, a été scandalisée par le fait que les jeunes filles étaient en état de déshabillage. Bien qu'elle nous semble plutôt trop habillée, la dame au premier plan est essentiellement représentée dans ses sous-vêtements - une chemise, un corset et un jupon. Le fait qu'elle porte toujours ses gants jaunes était considéré comme particulièrement érotique.

Le nouvel ami de Courbet, P.J. Proudhon, critique et anarchiste, a écrit abondamment sur les deux jeunes femmes qui lui étaient clairement connues et a vu la photo comme un commentaire moraliste sur la situation des femmes "gardées".

Il est tout à fait improbable que l'artiste lui-même ait partagé ce point de vue. Il a peut-être simplement aimé présenter au public une provocation. Rien, cependant, ne peut nuire à la richesse de la peinture, avec ses tissus luxuriants, sa richesse de feuillage et la rêverie rêveuse des dames elles-mêmes.

Ami de Whistler

Au fil des années, dans les années 1860, le travail de Courbet s’implique dans une masse de portraits, de paysages, de natures mortes et de scènes de chasse. La tâche du peintre, selon lui, était de prendre le monde tel qu'il le trouvait et de le présenter sans détour, bien qu'il semble souvent flirter avec une certaine symbolique.

Toujours grégaire et avide de nouvelles connaissances, Courbet se lie d'amitié avec le jeune Whistler, frais à Paris. Whistler est venu peindre avec lui pendant un moment. Courbet a créé un portrait puissant de la maîtresse de Whistler, Jo, alors qu'elle se peigne ses longs cheveux roux.

Ici, la peinture épaisse et la grande intimité de la pose transmettent un fort sentiment de sexualité. Les paysages de Courbet sont également devenus de plus en plus monumentaux, et il est difficile de ne pas les lire comme symboliques d'une manière ou d'une autre.

Sa peinture La vague réduit la mer et le ciel à un format puissamment simple suggérant que le sujet est symbolique du pouvoir de la nature elle-même. En utilisant un travail de plus en plus ouvert au pinceau et au couteau, l'artiste a continuellement attiré l'attention sur la nature physique de la peinture. Il a également préparé la voie aux impressionnistes, qui utiliseraient une surface de peinture cassée pour recréer les effets de la lumière.

La politique à part

Insistant sur sa propre indépendance en tant qu’artiste, les opinions politiques de Courbet ont toujours été déficientes. Il aimait affirmer qu'il était du côté du peuple, un socialiste. Mais dans un monde avant Marx, il n'a jamais vu la politique en termes de lutte de classe. Il n'était pas non plus opposé à devenir lui-même un capitaliste mineur.

Lorsqu'il a gagné de l'argent, il en a utilisé une partie pour acheter des terrains dans sa ville natale et il a investi dans des parts de chemin de fer. De plus, il était très désireux de succès public et une grande partie de sa correspondance implique des intrigues pour montrer ou acheter du travail au Salon.

Personnalité très publique et auto-promoteur infatigable, il était connu pour s'engager dans des discussions volubles et furieuses sur son travail dans les différents cafés et brasseries où les artistes se rassemblaient à Paris. Il était ravi lorsque ses peintures de chasse ont commencé à jouir d'un large succès parmi la classe supérieure et les mécènes aristocratiques des arts.

Summering à Trouville à la mode en 1865, il se vantait dans une lettre à un ami: «Je peins les plus jolies femmes de Trouville - j'ai déjà fait un portrait de la comtesse hongroise Karoly, et c'est un énorme succès. Plus de 400 femmes sont venues le voir et neuf ou dix des plus belles veulent que je les peigne aussi. … Je gagne une réputation incomparable de portraitiste. »

Une révolution le termine

Il est curieux que, malgré le plaisir évident de l’artiste pour son succès dans une société intelligente, il se soit défait au cours d’une révolution. En 1871, suite au chaos de la guerre franco-prussienne, la foule parisienne proclame une commune et s'empare du centre de la ville.

Courbet s’est joint à nous avec enthousiasme et a rapidement été chargé de protéger les trésors artistiques de la ville. En proie à une ferveur révolutionnaire, il a accepté de démanteler la colonne de la place Vendôme, sorte de lointaine cousine de la colonne de Trajan commémorant les triomphes de Napoléon.

La commune n'a cependant survécu que deux mois. Et, lorsque l'armée a finalement pris les commandes après une bagarre sanglante, Courbet a été emprisonné pendant six mois. Pire, le gouvernement français le tient pour responsable de la destruction de la colonne Vendôme. Et en 1873, le gouvernement lui a ordonné de payer les frais de sa restauration.

Confronté à la faillite et à de nouvelles peines de prison, l'artiste s'est enfui en Suisse. De là, il a mené des négociations avec le gouvernement français. Ces discussions ont finalement abouti à un régime de paiement assez bizarre en vertu duquel l'artiste effectuerait des paiements mensuels pour les 30 prochaines années. Mais Courbet était malade.

Les années de vie bohème, la consommation excessive d'alcool et le stress de la prison ont fait des ravages. Il est décédé en Suisse, exilé et proche de la faillite, en 1877.

Contributions d'articles par John Parks

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